Nata in occasione della “Giornata Internazionale per l’eliminazione della violenza contro le donne” e promossa da Associazione Culturale InfinityArt, “Controllo. Tra identità e annullamento” mostra personale di Erika Berra, in programma fino al 25 novembre presso la Galleria Civica Ezio Mariani di Seregno, tratta il tema della violenza psicologica.
A raccontarci questo percorso per mezzo della pittura è, oggi, la stessa artista.

“Controllo: tra identità e annullamento”, un titolo che evidenzia concetti molto forti. Cosa rappresentano per te?

Il controllo per me non è mai un gesto eclatante. È lento, quotidiano, quasi invisibile. È quando inizi a chiederti se la tua percezione è sbagliata, se il tuo ricordo è esatto, se quello che senti è esagerato. L’identità è ciò che viene eroso piano piano: non ti rubano chi sei di colpo, ti convincono a cederne un pezzetto alla volta per amore, per paura, per stanchezza.
L’annullamento non è sparire. È più subdolo: è quando resti lì fisicamente, ma dentro sei stata sostituita da una versione di te che qualcun altro ha deciso. Le mie tele nascono da questo spazio intermedio, tra ciò che ero e ciò che mi hanno detto di essere. Il titolo è nato da lì: Controllo è il processo, Identità è ciò che vacilla, Annullamento è il rischio. Ma anche il punto da cui si può ricominciare.

Affronti un tema estremamente duro, rompendo i tradizionali schemi e utilizzando la pittura astratta. Fino a dove può spingersi quest’ultima rispetto a un figurativo?

Il figurativo avrebbe raccontato la violenza. L’astratto ti costringe a sentirla.
Se avessi dipinto una figura legata, avremmo provato pietà per lei. Con l’astratto non c’è distanza: non c’è ‘lei’, ci sei tu dentro. Ho scelto l’astrazione proprio perché il controllo psicologico non ha lividi visibili. Non ha un’immagine. Ha una sensazione nello stomaco, un groviglio in testa.
Fino a dove può spingersi? Molto oltre il figurativo. Il figurativo descrive un fatto, l’astratto registra una vibrazione. Quando graffio la tela, quando sovrappongo rosa e nero e oro, non sto illustrando una storia, sto lasciando che il corpo di chi guarda riconosca qualcosa prima ancora che la mente capisca. Per un tema come questo, che vive nel non-detto, era l’unica strada onesta.

Superfici graffiate, colori sovrapposti e forme in tensione, “quasi schizofreniche” se l’espressione è quella giusta, sono tratti che caratterizzano il tuo lavoro. Cosa significano questi elementi ma, soprattutto, come possono spiegare un tema come quello trattato.

Hai usato la parola giusta: quasi schizofreniche. Perché è così che ti senti quando sei sotto controllo: due realtà che convivono e si contraddicono.
Le superfici graffiate sono la memoria della tela. Ogni graffio è un’annotazione, un tentativo di uscire. Non è decorativo, è un gesto fisico, quasi aggressivo, di riappropriazione. Gratto perché voglio vedere cosa c’è sotto.
I colori sovrapposti sono i livelli di manipolazione: dici una cosa, ne fai un’altra, poi ne dici una terza che cancella le prime due. Nelle mie opere ci sono fino a 10-15 strati, alcuni coperti, alcuni lasciati intravedere. Come in una relazione di controllo: nulla è mai davvero cancellato, tutto resta sotto.
Le forme in tensione sono la coabitazione forzata. In ‘Dualità in gabbia’ o in ‘Sewn mouth’, ci sono due forze che occupano lo stesso spazio e non trovano pace. Non si fondono. Si fronteggiano. È quella tensione che volevo fissare, non risolverla.

L’ambivalenza emotiva è parte del percorso espositivo: amore e odio, affetto e paura. Sentimenti contrastanti, dunque, che convivono. In che modo, l’arte astratta riesce a fissare tutto ciò su una tela?

L’amore e la paura, l’affetto e l’odio, non sono opposti per chi vive il controllo. Convivono. Ami la stessa persona che temi.
È questo il nodo che confonde, che ti fa restare.
Come lo fisso? Non lo concilio. Lo lascio coesistere. Metto un rosa tenerissimo, quasi infantile, accanto a un nero petrolio denso, materico. Metto una colata dorata, preziosa, sopra una stesura violenta. In ‘Figura nera oro’ o in ‘Vene dell’anima’ non c’è un colore buono e uno cattivo: c’è la tenerezza che diventa trappola e la durezza che diventa protezione.
L’astratto mi permette di non dover scegliere quale sentimento è più vero. Sono veri tutti, contemporaneamente. La tela diventa il luogo dove possono stare insieme senza dover trovare un accordo. Proprio come accade dentro.

Questa mostra non si limita a narrare la fragilità, ma apre uno spiraglio di rinascita. La tua pittura cerca il momento in cui la materia trova un nuovo equilibrio. Si può affermare che questo passaggio ferita/composizione costituisca il filo rosso che lega arte e vissuto?

Sì, è esattamente il filo rosso. Non mi interessa dipingere solo la ferita. Mi interessa il momento in cui la ferita decide cosa diventare.
La mia tecnica è letteralmente questo: parto da un fondo caotico, a volte brutto, poi graffio, strappo, copro, e poi cerco un nuovo equilibrio con la foglia oro, con una colata di acrilico rosa, con una linea che tiene insieme tutto. È quello che faccio anche nella vita. Non torno come prima. Non si torna come prima. Si trova una nuova composizione che include la crepa.
Opere come ‘Aurea Fractura’, ‘Reborn’, ‘Asse Karmico’ nascono così: la rottura non è nascosta, è esibita e resa preziosa. È il kintsugi che mi ha salvata: l’idea che ciò che è stato rotto e riparato valga di più. Quindi sì, ferita/composizione è arte e vissuto insieme. Non sono due cose separate. La tela è il laboratorio dove imparo a ricompormi.

Sappiamo che l’astratto non è per tutti, ritengo che, soprattutto, in questo caso sia una scelta coraggiosa. Ti chiedo, dunque, cosa vorresti che arrivasse al fruitore? C’è qualcosa, del tuo lavoro, che temi non venga compreso?

So che l’astratto chiede uno sforzo. Non ti dice cosa pensare. Non ti dà un appiglio facile. Per questo è stata una scelta coraggiosa, soprattutto per un tema così carico: perché rischiavo di non essere capita, di sembrare ‘troppo artistica’ per un tema sociale.
Cosa vorrei arrivasse? Non voglio che capiscano la tecnica, non mi interessa. Vorrei che qualcuno, davanti a ‘Interruzione’ o a ‘Sewn mouth’, sentisse un nodo alla gola e pensasse: ‘Questo lo conosco. Questo è successo anche a me’. Non per forza violenza fisica, anche solo quella sottile sensazione di essersi persa per compiacere.
Cosa temo non venga compreso? Che il mio lavoro venga letto come solo estetica, come ‘bello’ perché c’è l’oro. L’oro per me non è decorazione, è cicatrice luminosa. È ciò che resta quando hai ricucito. Temo che si veda il brillante e non il graffio sotto. Ma se anche una sola persona vede il graffio, ho fatto il mio lavoro.

Per concludere: astrazione ed empatia, quale relazione intercorre tra esse? In fondo, ciò che ‘Controllo: tra identità e annullamento’ si propone è avvicinare l’altro alla sfera intima che non si vede ma che, di contro, può essere percepita.

L’empatia non passa sempre dalle parole. Anzi, davanti a certi dolori le parole scivolano via, giudicano, razionalizzano.
L’astrazione invece arriva al corpo prima che alla testa. Non ti chiede di capire la mia storia, ti chiede di sentire se nella tua c’è qualcosa di simile che vibra. È un’empatia non narrativa, sensoriale.
“Controllo: tra identità e annullamento” vuole proprio questo: non spiegare la violenza psicologica, ma farla percepire per un attimo, in modo sicuro, dentro uno spazio protetto come una galleria. Se davanti a una tela senti fastidio, tensione, ma anche un senso di liberazione, di respiro che si allarga, allora abbiamo comunicato.
Alla fine l’astrazione è la forma più intima di empatia che conosco: non ti mostro la mia ferita, ti offro uno spazio dove puoi riconoscere la tua.

Info mostra

“Controllo: tra identità e annullamento” mostra personale di  Erika Berra

A cura di Mara e Stefano Cozzoli

Dal 7 al 25 novembre 2026

Vernissage sabato 7 novembre, ore 17.00

Presso Galleria Civica Ezio Mariani, via Cavour 26, Seregno

Ente organizzatoreAssociazione Culturale InfinityArt

Con il patrocinio del Comune di Seregno

Orari visita: lunedì–venerdì: 15.30–19.00, sabato e domenica: 10.00–12.00 e 15.30–19.00

Ingresso libero.

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